SCÈNE CHAMPÊTRE
(voir expertise du professeur Giancarlo Sestieri dans la galerie d'images)
Peinture à l'huile sur toile, 90 x 113 cm – œuvre autographe de Philipp Peter Roos, dit Rosa da Tivoli – dans un cadre ancien en bois sculpté et doré.
Philipp Peter Roos, dit Rosa da Tivoli (Sankt Goar (Francfort-sur-le-Main), 30 août 1657 – Rome, 17 janvier 1706), était un peintre et graveur allemand de la période baroque. Il appartenait à une famille de peintres et de graveurs allemands bien connue : son père était Johann Heinrich Roos, le plus important peintre animalier allemand du XVIIe siècle. Il arriva en Italie en 1677 grâce à une bourse d'études du landgrave de Hesse, à condition qu'il retourne à sa cour. Cependant, ne respectant pas les conditions du landgrave, il ne retourna jamais en Allemagne. Il étudia à Rome auprès de Giacinto Brandi, dont il épousa la fille, Maria Isabella, en 1681, après s'être converti à la foi catholique. En 1684-1685, il acheta une maison près de Tivoli, ce qui lui valut le surnom de Rosa da Tivoli. Roos élevait personnellement les animaux qu'il peignait près de cette maison délabrée, qui était donc appelée « l'Arche de Noé ». La maison était située dans le quartier de San Paolo, encore appelé aujourd'hui « vicolo del Riserraglio ». Gino Mezzetti, historien local, a écrit : « Pour cette artère, on a l'habitude de faire dériver le nom de cet endroit clos, situé sur la silencieuse place du quartier, où le peintre allemand Philipp Roos, dit Rosa da Tivoli (parce qu'il travaillait surtout dans le Tiburtino) enfermait divers animaux dans un enclos, qu'il reproduisait ensuite dans ses tableaux appréciés, dont certains se trouvent encore à la Pinacothèque Vaticane. De l'enclos des animaux au "rinserraglio" et donc au "Riserraglio" il n'y a qu'un pas. La ruelle du Peintre, via del Duomo, tire également son nom de l'artiste, qui habitait dans cette petite artère sans issue ». À partir de 1691, il vécut principalement à Rome, où il devint membre de la Schildersbent (clan des peintres) sous le surnom de « Mercurius », en raison de la rapidité avec laquelle il réalisait ses tableaux et de la facilité avec laquelle il peignait. Cette rapidité d'exécution lui était particulièrement utile : en effet, souvent sans argent, il peignait un ou deux tableaux qu'il faisait vendre par son domestique à n'importe quel prix afin de pouvoir payer l'addition de l'auberge. Il vécut d'une manière délibérément libre, réfractaire aux règles et dissolue et, comme cela arrivait souvent, alors comme aujourd'hui, il mourut dans la misère. La plupart de ses œuvres représentent des animaux domestiques avec leurs gardiens dans la campagne romaine. Les animaux, comme dans notre tableau, sont généralement peints au premier plan et dominent la scène, tandis que le paysage se devine en arrière-plan. Roos applique sa peinture en pâte, rendant les pelages, la position et les mouvements de chaque espèce avec un grand talent. Comme on peut le constater également dans l'important tableau que nous proposons ici. Dans les années 1680, l'artiste représentait généralement de petits groupes d'animaux (moutons et chèvres, souvent guidés par un bouc aux cornes recourbées), avec les bergers sur le côté en vêtements grossiers, près des animaux. Au loin, des vallées sauvages alternaient avec des parois abruptes illuminées par une lumière jaune-brun ; les montagnes lointaines étaient rendues dans les tons de l'azur. Des ruines antiques étaient souvent peintes en arrière-plan. Autour des années 1690, Roos peignit surtout des paysages.
Dans l'ensemble, ses tableaux sont caractérisés par un ton spectral, sombre et sauvage. De plus, Roos réussissait à transformer des motifs paysagers naturels en visions insolites et riches en mouvement. Une représentation directe de la Nature, en tant qu'observateur attentif et présent sur le lieu, témoin solitaire de la scène représentée. Bien que cet artiste peignait généralement des paysages et des animaux, il était capable de réaliser des compositions plus complexes, comme en témoigne le dessin Déposition de la Croix, aujourd'hui au Jean Paul Getty Museum aux États-Unis. D'autres de ses œuvres figurent à Florence (Uffizi), Madrid (Prado), Dresde (Gemaeldegalerie), ainsi que dans de prestigieuses collections privées.
Le style de Philipp Roos, homme sanguin et peu disposé aux compromis, reflétait sa méthode de travail. Il était en effet caractérisé par une utilisation de coups de pinceau intenses, parfois presque grossiers et par un fort contraste entre lumière et ombre. Cette manière personnelle était assez populaire et attira de nombreux imitateurs. Ses œuvres certaines sont de véritables portraits d'animaux domestiques avec les bergers dans la campagne romaine. Les animaux, comme nous l'avons vu, au premier plan, toujours protagonistes, l'homme plus petit ou absent, le paysage spacieux et distant. Roos agite doucement une peinture en pâte, peignant avec soin les pelages des animaux, dans différentes positions et mouvements, avec des compositions spontanées.
Dans les années 80, dans sa première maturité laborieuse, Rosa composait de petits groupes d'animaux, surtout des moutons et des chèvres, guidés par un bouc, avec les bergers en second plan contrôlant les animaux, dans des vallées et des montagnes de tonalités prédominantes jaune-brun, peintes avec une application crémeuse. Sur le fond, des montagnes bleues contre des ciels et des nuages rosés. Parfois, comme décors, des ruines d'édifices antiques, dans une calme arcadienne.
À cette période appartiennent des œuvres particulièrement intenses, qui ont les caractéristiques décrites ci-dessus : figures dominantes du bouc aux cornes tordues, la vache au premier plan, souvent la chèvre au repos avec le chevreau, parfois une brebis florissante de laine douce, sur le fond un paysage rocheux, avec des ruines, âpre et sauvage. Saisi au coucher ou au lever du soleil, avec la lumière chaude du crépuscule ou de l'aube qui semble jaillir, comme par magie, du fond du tableau. Dans les yeux de ses chèvres, il y a une vérité douloureuse, une conscience alternative du monde, une humanité masquée. Comme le dira Umberto Saba : « J'ai parlé à une chèvre, / Elle était seule dans le pré, elle était attachée. / Rassasiée d'herbe, mouillée / par la pluie, elle bêlait. / Ce bêlement égal était fraternel / à ma douleur. Et moi j'ai répondu, d'abord / pour plaisanter, puis parce que la douleur est éternelle, / elle a une voix et ne varie pas. / Cette voix j'entendais / gémir dans une chèvre solitaire. / Dans une chèvre au visage sémite / j'entendais se plaindre tout autre mal, / toute autre vie ». Au loin, sur le fond, des nuages gris et roses, contre l'incomparable ciel bleu. Fraîche et dense, la peinture, comme aucune autre ne rend le pelage des animaux. Plus tard, dans les années 90, Roos peindra principalement des paysages.
Tous ensemble, ses tableaux, épopée bucolique, et jamais métaphorique, des animaux, dans leur tranquille façon d'habiter le monde des hommes, racontent un peuple parallèle, dans des paysages reculés et intacts. La peinture de Roos se montre en coups de pinceau mobiles et denses, avec de formidables et parfumés effets chromatiques. D'autres peintres animaliers, comme Domenico Brandi et Nicola Viso, ont parfois été confondus, pour le genre, pas pour la qualité inaccessible de Philipp Roos, dans le mimétisme par rapport au vrai, avec le chef de file Rosa da Tivoli. Dans la florissante boutique, même les frères et les enfants de l'artiste, comme cela avait été le cas dans la boutique pastorale des Bassano, continueront, en générant délibérément des équivoques, à peindre les mêmes sujets.
Le professeur Giancarlo Sestieri, dont nous publions l'expertise dans la galerie des images, est certainement l'un des plus grands spécialistes de ce grand artiste, considéré comme le plus important représentant du genre « bucolique et arcadien ».
Bibliographie
• Julius Samuel Held, Detroit Institute of Arts, “Flemish and German paintings of the 17th century”, 1982, pag.73-74-75
• Musée du Louvre, Frédéric Villot, “Notice des tableaux exposés dans les galeries du Musée impérial du Louvre”, pag.221
• Musée des beaux-arts, Clara Gelly, “Nancy, Musée des beaux-arts: peintures italiennes et espagnoles, XIVe-XIXe siècle”, 2006, pag.141-142
