Lombardische Schule des 17. Jahrhunderts
Stillleben mit Tellern, Blumen und Früchten
Öl auf Leinwand, 70 x 93,5 cm – mit Rahmen, 82 x 105 cm
Das Stillleben mit Tellern, Blumen und Früchten, das einem anonymen Künstler der lombardischen Schule des Hochbarocks zuzuordnen ist, ist ein treffendes Beispiel für die „Malerei der Realität“, die die Stilllebenproduktion Norditaliens prägte. Die Komposition entfaltet sich auf einer dunklen Ablagefläche, auf der das Licht, fast karavaggiesk, die verschiedenen materiellen Konsistenzen mit analytischer Präzision untersucht. Links bildet eine eigenartige Reihe von weißglasierten Keramiktellern, gefüllt mit kleinen roten Früchten und Oliven, den Dreh- und Angelpunkt des Gemäldes und dient als visueller Drehpunkt der gesamten Szene. Ein Detail von außergewöhnlichem kritischem und dokumentarischem Interesse findet sich auf dem letzten Teller am Ende der Reihe, der dem Betrachter frontal zugewandt ist: In der Mitte seiner Vertiefung ist mit feinem Können die Fassade einer Kirche gemalt, die sich durch ein Satteldach und architektonische Ordnungen auszeichnet, die an die großen Dome oder Basiliken Norditaliens erinnern, vielleicht eine symbolische Hommage an den Auftraggeber oder eine bestimmte Herkunftsstadt. Diese raffinierte Dekoration verwandelt den Gebrauchsgegenstand in ein kleines Dokument ziviler Identität und dialogisiert ideal mit der Vase mit Blumen auf der rechten Seite, aus der rote, gesprenkelte Nelken mit lebhaften Pinselstrichen aus der Dunkelheit auftauchen. Im Vordergrund folgt die Verteilung der Früchte einem ruhigen Rhythmus: Pfirsiche und Aprikosen zeigen ein samtiges Fruchtfleisch, das im Kontrast zur faltigen Schale der Zitronen links und der plastischen Festigkeit von Birnen und Äpfeln steht. Jedes Element ist mit einer soliden Volumetrik wiedergegeben, bei der die Hell-Dunkel-Übergänge auch die kleinen Unvollkommenheiten der Reife ehrlich beschreiben und zu einer stillen Reflexion über die Schönheit der Schöpfung einladen, typisch für das Thema der Vanitas. Der tiefe braune Hintergrund ist keine tote Leere, sondern ein atmosphärischer Raum, der es den warmen Farben und dem milchigen Weiß der Majolika ermöglicht, mit taktiler Kraft hervorzustechen, während der reiche goldene Rahmen mit Blattmotiven die Szene abschließt und die Bedeutung des Werkes als Gegenstand für die Gemäldesammlung einer gebildeten provinziellen Aristokratie unterstreicht. Das Ganze offenbart eine Hand, die geschickt darin ist, die „Haut“ der Dinge wiederzugeben, die in der Lage ist, die wissenschaftliche Beobachtung der Natur mit einer häuslichen und zurückhaltenden Spiritualität zu verbinden, die der besten lombardischen Malereitradition des 17. Jahrhunderts eigen ist.
