Geschickter friaulischer/venezianischer Bildhauer des 18. Jahrhunderts aus der Schule von Giacomo und Giovanni Martini. Wertvolle Holzskulptur aus Lindenholz mit originaler Polychromie, die Maria Magdalena darstellt. Kleine und begrenzte polychrome Restaurierungen aus späterer Zeit, unsichtbar, mit UV-Lumineszenz identifiziert, aber auf nicht mehr als 3-5 Prozent der Oberfläche beschränkt. Herkunft: Privatsammlung des Udineser Bürgertums. Maße: 100 cm hoch, 37 cm breit.
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Technisches Sachverständigengutachten - Analyse des Werkes. Wesentliche Punkte
Stil: Die dynamische, fast "spiralförmige" Haltung (die so genannte Drehbewegung) und die Behandlung der Draperie mit tiefen und kantigen Falten sind typisch für das reife Barock/Rokoko in Friaul/Venetien.
Technik: Die Skulptur ist aus geschnitztem Lindenholz mit einer Polychromie, die, obwohl sie begrenzte Fehlstellen aufweist, dezente Töne (dunkelgrün, Ocker/Terra di Siena) bewahrt. Diese Art der Bearbeitung ist in den friaulischen Werkstätten (wie denen von Udine oder der Karnia) sehr verbreitet, die sowohl vom venezianischen Einfluss als auch von dem der Meister aus Übersee beeinflusst wurden.
Identifizierung der Person: Die weibliche Figur weist ikonografische Elemente auf, die stark auf die Identität von Maria Magdalena hindeuten. Die langen, offenen Haare, die über die Schultern fallen, sind das Hauptattribut der Heiligen, die der Überlieferung nach die Füße Christi mit ihrem eigenen Haar trocknete.
Ausdruck und Haltung: Das Gesicht ist von einem stillen, aber intensiven Schmerz gezeichnet, der Blick ist nach unten gerichtet (oder auf ein Kreuz/einen Gegenstand, der jetzt fehlt). Die Drehung des Körpers deutet darauf hin, dass sie ursprünglich Teil einer größeren Gruppe war, wahrscheinlich einer Kreuzigung oder einer Beweinung des toten Christus, wo Magdalena normalerweise zu Füßen des Kreuzes in Verzweiflung dargestellt wird.
Kleidung: Das dunkle Gewand und der umhüllende Mantel spiegeln den Zustand der Buße und Trauer wider.
Zuschreibung: Der Stil erinnert an die Produktion bedeutender Werkstätten oder Autoren aus dem Friaul und dem Cadore, die im 18. Jahrhundert tätig waren und das Erbe der skulpturalen Tradition der früheren Giacomo und Giovanni Martini antraten. Viele Magdalenen oder Marien, die in diesem Bereich hergestellt wurden, weisen denselben Haaransatz auf, der sehr ordentlich und in der Mitte geteilt ist und dann in Locken auf den Schultern explodiert. Die Behandlung des Gesichts unserer Skulptur mit der scharfen Nase und den leicht eingesunkenen Augen erinnert stark an die Produktion des Gebiets von Udine. Die "Kartuschen"-Draperie, d. h. die Falten, die fast wie zerknittertes Papier aussehen (auf der rechten Seite Ihrer Statue sichtbar), sind typisch für einen Geschmack, der nach Österreich blickte, was in Friaul sehr präsent ist.
Analyse der Symbolsprache.
Die Falten der Gewänder offenbaren verschiedene grundlegende Aspekte:
1. Die Dynamik und die dramatische Spannung: Die Falten sind tief, kantig und "verknittert" und dienen dazu, ein Gefühl innerer Unruhe zu vermitteln. Die Fragmentierung des Lichts auf den unregelmäßigen Oberflächen erzeugt ein starkes Helldunkel, das das Pathos unterstreicht. Das Kleid "spiegelt" die Qual der Seele durch die Komplexität der Falten wider.
2. Die Drehbewegung (Torsion): Betrachtet man den Verlauf der Falten, die den Körper umhüllen, so erkennt man eine diagonale Linie, die von unten nach oben verläuft. Bedeutung: Dies dient dazu, das Auge des Betrachters zum Gesicht der Skulptur zu lenken. Die Falten "drängen" die Figur in eine Drehung, die eine plötzliche Bewegung suggeriert, die typisch für das reife Barock und frühe Rokoko ist und die Statue lebendig und nicht statisch macht.
3. Die strukturelle Funktion (die Schnitzerei) Im venezianisch-friaulischen Gebiet erlaubte die Verwendung von Holz (in der Regel Zirbelkiefer oder Linde) sehr tiefe Hinterschneidungen. Die so ausgeprägten Falten dienten auch dazu, die Fugen der Holzblöcke zu kaschieren und der Figur Volumen zu verleihen, ohne sie übermäßig zu beschweren. Die Steifheit einiger "Kartuschen"-Falten ist ein direkter Einfluss der deutschen und österreichischen Holzschnitzkunst, die durch Friaul gefiltert wurde.
4. Symbolik des Ranges und des Status: Die Art und Weise, wie der Mantel (der ockerfarbene Teil) das dunkle Gewand überlagert, diente dazu, das Volumen des darunter liegenden Körpers zu definieren, trotz der Keuschheit des Gewandes. Der Kontrast zwischen dem eng anliegenden Gewand am Oberkörper und dem großen Volumen des unteren Mantels diente dazu, Monumentalität zu verleihen. Eine Figur mit vielen Stoffen war ein Symbol für Bedeutung; im Falle einer Heiligen deutet es auf die Würde der Person trotz ihres Zustands der Buße hin.
HINWEISE : Das Haar ist bei dieser Skulptur ein besonders wertvolles Ausführungselement.
1. Die Technik der "V-Nut" Der Schnitzer hat sich nicht darauf beschränkt, die Masse der Haare anzudeuten, sondern hat mit sehr dünnen Hohlmeißeln jede einzelne Strähne ausgehöhlt. Die Rillen sind tief und parallel und erzeugen einen rhythmischen Effekt, der das Licht einfängt. Diese Art der klaren Gravur diente dazu, auch unter der Bemalung Dreidimensionalität zu verleihen, damit die Farbe das Volumen des Kopfes nicht "verflacht".
2. Die zentrale Teilung und die Spannung : Die Scheitelung in der Mitte ist typisch für die Ikonographie der büßenden Magdalena oder der schmerzensreichen Jungfrau des 18. Jahrhunderts. Die Spannung der Haare, die an den Schläfen anliegen, um sich dann an den Ohren aufzubauschen, betont die Magerkeit des Gesichts. Dieser Kontrast dient dazu, den asketischen oder leidenden Charakter der Person zu betonen, ein Merkmal, das von den religiösen Auftraggebern des Friauls im 18. Jahrhundert sehr geschätzt wurde.
3. Der Übergang von der Strenge zur Bewegung: Während das Haar auf dem Scheitel geordnet und symmetrisch ist, wird es, je weiter es auf die linke Schulter fällt, zu einer fließenden und bewegten Masse. Diese kontrollierte Unordnung symbolisiert die Hingabe an den Schmerz. Im Veneto war die Fähigkeit, die Weichheit der Haare im harten Holz wiederzugeben, der ultimative Test, um die Fähigkeiten eines Meisters zu beurteilen. Hier sehen wir einen meisterhaften Übergang von der fast skulpturalen Steifheit der Stirn zu der Weichheit des Zopfes/der Strähne, die auf den Rücken fällt.
4. Die "sparsame" Polychromie Es ist ersichtlich, wie die dunkle Farbe (Brune oder Umbra) aufgetragen wurde, um sich in den Rillen der Schnitzerei anzusammeln. Dies erzeugt einen natürlichen Schatten, der die Haare fast "lebendig" macht. Die kleinen Fehlstellen der Polychromie erlauben es, den Hintergrund (eine Gipsgrundierung) zu sehen, was bestätigt, dass das Werk keine schweren modernen Übermalungen erfahren hat, die seine feinen Details verändert hätten.
Weitere Details zur Bautechnik
1. Die Aushöhlung des Stammes (Entleerung des Holzkerns) Durch die Beseitigung des Markes, des dichtesten und instabilsten Teils des Stammes, konnte sich das Holz "bewegen" und atmen, ohne bei wechselnder Luftfeuchtigkeit im Laufe der Jahrhunderte zu reißen. Die Gewichtsreduzierung war für Statuen, die hoch auf Altären aufgestellt oder bei Prozessionen mitgeführt werden sollten, unerlässlich.
2. Der vertikale Schnitt: Es ist ein sehr deutlicher Mittelschnitt zu erkennen. Dies kann darauf hindeuten, dass die Skulptur aus zwei Holzblöcken gefertigt wurde oder dass sie an der dünnsten Stelle, die typisch für Werke des 18. Jahrhunderts ist, die Temperaturschwankungen ausgesetzt waren, einer strukturellen Belastung ausgesetzt war.
3. Spuren der Geschichte Man kann Reste der Vorbereitung (Gips und Kleber) und vielleicht Löcher für die Originalbefestigung erkennen. Die Rückseite "spricht": Die raue Oberfläche zeigt die Spuren von Hohlmeißel und Axt und zeugt von einer direkten handwerklichen Arbeit, weit entfernt von industriellen Oberflächen oder späteren Gipsabgüssen.
Schlussfolgerung Es ist ein Werk echter Andacht. Die Kombination aus der Raffinesse der Frontalschnitzerei (zuerst in den Haaren und der Draperie zu sehen) und der Funktionalität der ausgehöhlten Rückseite ist typisch für friaulische Werkstätten, die wertvolle Kunst und technischen Pragmatismus vereinten.
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