Cristòfor Alandi (Terragona, 1856 – Barcelona, 1896)
Tavernenszene
Öl auf Leinwand, 155 x 120 cm
Mit Rahmen, 166 x 133 cm
Signiert und datiert 1888 unten rechts
Das vorliegende Gemälde ist ein lebendiges Zeugnis des 19. Jahrhunderts in Spanien, eines Jahrhunderts tiefgreifender politischer und gesellschaftlicher Veränderungen und Umwälzungen, die sich auch in der künstlerischen Produktion und insbesondere in der Malerei widerspiegelten. Die spanischen Künstler dieser Zeit sahen sich in der Tat gezwungen, die Maltraditionen der Vergangenheit mit den neuen Einflüssen aus Europa in Einklang zu bringen, was zu großen Experimenten führte. Insbesondere der Realismus fand vor allem in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts fruchtbaren Boden, als man sich verstärkt der genauen Darstellung der Alltagswirklichkeit und ihrer Protagonisten (Bauern, Hirten, Trinker, Spieler, Musiker usw.) widmete und dabei stets ein kritisches und aufmerksames Auge für Details bewahrte.
Die hier präsentierte, majestätische Leinwand ist ein Werk von Cristòfor (oder Cristobal) Alandi (Terragona, 1856 – Barcelona, 1896), einem der wichtigsten Vertreter der spanischen Malerei des 19. Jahrhunderts, wie die Signatur unten rechts belegt. Über diesen Künstler, dessen biographische Informationen spärlich sind, was auch dem frühen Tod im Alter von nur vierzig Jahren geschuldet ist, wissen wir, dass er an der Akademie der Schönen Künste in Barcelona unter der Leitung von Simò Gomez Polo ausgebildet wurde, einem realistischen Maler und Graveur, der eng mit den Franzosen Alexandre Cabanel und Tony Robert-Fleury zusammengearbeitet hatte und sich tief von den Meisterwerken von Édouard Manet und Eugène Delacroix inspirieren ließ. Im Alter von achtzehn Jahren hatte er während einer Reise nach Rom die Gelegenheit, die Werke des Meisters Marià Fortuny i Marsal (Reus, 1838 – Rom, 1874) zu sehen und kennenzulernen, des Schwiegersohns des Direktors des Prado-Museums und unbestrittenen Vorbilds für viele spanische Künstler der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, dessen Kunst sich durch pragmatische Szenen des Alltags von großer Lebendigkeit auszeichnete (um die Worte des Kritikers Théophile Gautier zu zitieren: „Fortuny als Radierer erreicht Goya und nähert sich Rembrandt“).
Alandi griff mehrfach die Modelle des Meisters auf, so dass er 1879 eine Kopie der Schlacht von Tetuan und eine der Schlacht von Wad-Ras nach Barcelona schickte, die seine große technische Fähigkeit bezeugten. Nachdem er nach Spanien zurückgekehrt war und an der Höheren Malschule San Fernando in Madrid studiert hatte, begann sich sein Ruhm immer weiter zu verbreiten, auch dank seiner häufigen Teilnahme an internationalen Salons, die ihn einem breiten Publikum bekannt machten: Auf der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste von 1884 präsentierte er das Gemälde La pastora catalana; er nahm später an Gruppenausstellungen im Saal Parés im Jahr 1892 und im Mai 1893 teil; er stellte im Salon von Paris im Jahr 1893 aus; er nahm an der Ausstellung der Schönen Künste von Barcelona im Jahr 1894 teil; im Jahr 1898, zwei Jahre nach seinem Tod, wurde sein Werk Dél el Tono (Den Ton angeben) im Album der Salons veröffentlicht.
Die hier untersuchte Leinwand, die Alandi im Jahr 1888 im Alter von zweiunddreißig Jahren schuf, zeigt eine Tavernenszene, in der zwei Frauen im Vordergrund zu sehen sind, eine sitzend mit dem Rücken zum Betrachter, die eine Gitarre spielt, und die andere mit starrem Blick auf den Betrachter gerichtet, sowie zwei Männer im Hintergrund, einer ebenfalls mit dem Musikinstrument in der Hand, die, verzaubert von der weiblichen Präsenz, ihre Weingläser erheben. Als einer der Pioniere der realistischen Malerei in Spanien zeichnet sich Alandi hier durch eine außergewöhnliche Fähigkeit aus, das Wesen und die Ausdruckskraft seiner Sujets durch gut abgestimmte Blicke und Posen einzufangen. Der Pinselstrich ist pastos, vibrierend, frei, mit einer absoluten Fähigkeit, die malerische Materie wiederzugeben, aber auch intensiv und fließend, in der Lage, eine lebhafte Dynamik zu simulieren. Der Kontrast zwischen Licht und Schatten wird zu einem Schlüsselelement für das Verständnis des Gemäldes: Der Künstler nutzt das Licht, um die Formen zu modellieren und ein Gefühl von Tiefe und Dreidimensionalität zu erzeugen, das durch die Farbwahl noch verstärkt wird. Aus einem dunklen, halbschattigen Hintergrund, in dem erdige und bräunliche Farbtöne vorherrschen, tauchen die beiden Frauen in ihrer ganzen Pracht auf, direkt vom Lichtstrahl getroffen, deren Physiognomien an die typisch hispanischen Züge erinnern. Die beiden wunderschönen traditionellen katalanischen Kleider, ein starkes Symbol kultureller Identität, auf die Alandi seine ganze Aufmerksamkeit richtet, bleiben sicherlich nicht unbemerkt: ein farbenprächtiges Kaleidoskop aus verschiedenen Stoffen, Stickereien, Spitzen und Borten, das in der iberischen Folklore ikonisch geworden ist. Seine Porträts sind also nicht nur einfache physische Darstellungen, sondern echte kulturelle und soziale Untersuchungen.
