Cristòfor Alandi (Terragona, 1856 – Barcelona, 1896)
Tavernenszene
Öl auf Leinwand, 155 x 120 cm
Mit Rahmen, 166 x 133 cm
Signiert und datiert 1888 unten rechts
Das vorliegende Gemälde stellt ein lebendiges Zeugnis des 19. Jahrhunderts in Spanien dar, ein Jahrhundert tiefer politischer und sozialer Umwälzungen, die sich auch in der künstlerischen Produktion und insbesondere in der Malerei widerspiegelten. Die spanischen Künstler dieser Zeit sahen sich mit der Notwendigkeit konfrontiert, die malerischen Traditionen der Vergangenheit mit den neuen Einflüssen aus Europa in Einklang zu bringen, was zu großen Experimenten führte. Insbesondere der Realismus fand vor allem in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts fruchtbaren Boden, als man sich verstärkt der genauen Darstellung der Alltagsrealität und ihrer Protagonisten (Bauern, Hirten, Trinker, Spieler, Musiker usw.) widmete, wobei man stets ein kritisches Auge und ein Gespür für Details bewahrte.
Die hier präsentierte, majestätische Leinwand ist das Werk eines der bedeutendsten Vertreter der spanischen Malerei des 19. Jahrhunderts, Cristòfor (oder Cristobal) Alandi (Terragona, 1856 – Barcelona, 1896), wie die Signatur unten rechts bezeugt. Über den Künstler, über den man aufgrund seines frühen Todes mit nur vierzig Jahren nur wenige biografische Informationen hat, wissen wir, dass er an der Akademie der Schönen Künste in Barcelona unter der Leitung von Simò Gomez Polo ausgebildet wurde, einem realistischen Maler und Graveur, der eng mit den Franzosen Alexandre Cabanel und Tony Robert-Fleury zusammengearbeitet hatte und sich tief von den Meisterwerken von Édouard Manet und Eugène Delacroix hatte inspirieren lassen. Im Alter von achtzehn Jahren hatte er auf einer Reise nach Rom Gelegenheit, die Werke des Meisters Marià Fortuny i Marsal (Reus, 1838 – Rom, 1874) kennenzulernen, des Schwiegersohns des Direktors des Prado-Museums und eines unbestrittenen Vorbilds für viele spanische Künstler der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, dessen Kunst sich durch pragmatische Szenen des täglichen Lebens von großer Lebendigkeit auszeichnete (um die Worte des Kritikers Théophile Gautier zu zitieren: „Fortuny als Radierer erreicht Goya und nähert sich Rembrandt“).
Alandi griff mehrmals auf die Modelle des Meisters zurück, so dass er 1879 eine Kopie der Schlacht von Tetuan und eine der Schlacht von Wad-Ras nach Barcelona schickte, die seine große technische Fähigkeit bezeugten. Nachdem er nach Spanien zurückgekehrt war und an der Höheren Malschule San Fernando in Madrid studiert hatte, begann sich sein Ruhm flächendeckend zu verbreiten, auch dank seiner häufigen Teilnahme an internationalen Salons, die ihn einem breiten Publikum bekannt machten: Auf der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste 1884 präsentierte er das Gemälde La pastora catalana; später nahm er an Gruppenausstellungen im Saal Parés im Jahr 1892 und im Mai 1893 teil; stellte 1893 im Salon von Paris aus; nahm 1894 an der Ausstellung der Schönen Künste in Barcelona teil; 1898, zwei Jahre nach seinem Tod, wurde sein Werk Délel Tono (Dandole il tono) im Album der Salón veröffentlicht.
Diew von Alandi im Jahr 1888 im Alter von zweiunddreißig Jahren geschaffene Leinwand zeigt eine Taverneszene, in der zwei Frauen im Vordergrund zu sehen sind, eine mit dem Rücken zum Betrachter sitzt und Gitarre spielt, die andere dem Betrachter mit festem Blick zugewandt ist, und zwei Männer im Hintergrund, einer ebenfalls mit einem Musikinstrument in der Hand, die, bezaubert von der weiblichen Anwesenheit, ihre Weingläser schwenken. Als einer der Pioniere der realistischen Malerei in Spanien zeichnet sich Alandi hier durch eine außergewöhnliche Fähigkeit aus, das Wesen und die Ausdruckskraft seiner Motive durch Blicke und gut kalkulierte Posen einzufangen. Der Pinselstrich ist pastos, vibrierend, frei, mit einer absoluten Fähigkeit, die malerische Materie wiederzugeben, aber auch intensiv und fließend, in der Lage, eine lebhafte Dynamik zu simulieren. Der Kontrast zwischen Licht und Schatten wird zu einem Schlüsselelement, um das Gemälde zu verstehen: Der Künstler nutzt das Licht, um die Formen zu modellieren und ein Gefühl von Tiefe und Dreidimensionalität zu erzeugen, das durch die Farbwahl noch verstärkt wird. Von einem düsteren Hintergrund im Halbschatten, in dem erdige und bräunliche Farbtöne vorherrschen, stechen die beiden Frauen, die direkt vom Lichtstrahl getroffen werden, in ihrer ganzen Kraft hervor, deren Physiognomien an die typisch hispanischen Merkmale erinnern. Unbeachtet bleiben sicherlich nicht die beiden wunderschönen traditionellen katalanischen Trachten, ein starkes Symbol kultureller Identität, auf die Alandi seine ganze Aufmerksamkeit richtet: ein buntes Kaleidoskop verschiedener Stoffe, Stickereien, Spitzen und Borten, das im iberischen Brauchtum ikonisch geworden ist. Seine Porträts sind also nicht nur einfache physische Darstellungen, sondern wahre kulturelle und soziale Untersuchungen.
