Pintura al óleo sobre lienzo de 80 x 62 cm sin marco y de 105 x 82 cm con marco coetáneo del pintor Ernest Daret, que representa el mito de Diana y Acteón.
Según el mito, durante una cacería, Acteón provocó la ira de Diana al sorprenderla mientras se bañaba con sus compañeras a la sombra de la selva Gargafia. El calor estival, de hecho, la indujo a guardar sus ropas y refrescarse interrumpiendo la caza. La diosa, para impedir que el cazador profiriera palabra sobre lo que había visto, transformó al joven en un ciervo rociándole agua en el rostro. Acteón se percató de su transformación solo cuando, huyendo, llegó a una fuente donde pudo reflejarse en el agua. Mientras tanto, el cazador fue alcanzado por sus 50 perros, enfurecidos por Artemisa, que, al no reconocerlo, destrozaron a su antiguo amo. Una vez devorado Acteón, los perros se pusieron a buscar a su amo por todo el bosque, llenándolo de dolorosos lamentos.
Más tarde llegaron a la caverna de Quirón, quien les donó una imagen de su amo para atenuar su dolor.
Si tuviéramos que elegir una obra que ilustre con iluminadora evidencia la contaminación entre escuelas pictóricas y plataformas referenciales fuertemente caracterizadas, el cuadro en examen ascendería a verdadero y propio exemplum.
El impacto visual dirige, de hecho, la indagación crítica hacia el trasfondo flamenco, que ve a Jan Brueghel el Viejo (Bruselas, 1586-Amberes, 1625) y su escuela.
Según los ámbitos geográficos de las respectivas escuelas, el afortunado tema es plasmado por la sensibilidad de los artistas, a su vez condicionados por el trasfondo cultural de referencia, que en el citado Brueghel privilegia la minuciosa indagación de lo real, tomando como base la narración clásica para ofrecer al espectador una reseña "enciclopédica" de plantas y animales. Esto determina un corte compositivo que pone en fuerte relieve el primer plano, poblado por una nutrida hilera de personajes comprendidos aquí tanto Diana como Acteón.
Esta última obra testimonia la indudable penetración de la cultura nórdica en el norte de Italia, que ya en época barroca cuenta con una extraordinaria asimilación.
Las asonancias compositivas con el cuadro objeto de estudio parecen sin duda estrechas -para reiterar lo recién referido-, si bien este último se distancia de forma neta en el plano estilístico y formal, el autor de nuestro cuadro traslada el mismo tema sobre la tela a través de un lenguaje suelto e inmediato, obliterando la grafía esmerada y el lenticular cuidado del detalle en favor de la atmósfera y de la fuerza del color.
Ingredientes, estos últimos, básicos también para la receta pictórica véneto.
Nunca antes nos habíamos encontrado ante una contaminación tan coraggiosa y fascinante entre dos escuelas pictóricas -que representan además dos distintas visiones del mundo y del arte-, llevada a cabo por un maestro crecido en Flandes y emigrado a los territorios de la Serenísima, como ocurrió a Ernest Daret, mejor conocido como Monsù Ernesto (Bruselas 1670 - Venecia post 1725).
Conocido por sus paisajes con escenas populares, en este caso se demuestra una personalidad muy rica en estímulos y mucho más compleja de lo que hasta ahora los testimonios pictóricos nos han transmitido. Uno de sus caracteres guía, infaltable en cada una de sus obras, es una amplia perspectiva rica en naturaleza en el fondo con un primer plano rico en personajes, como notamos en la construcción de esta obra.
El ductus, además, vivaz y cautivador, expresa en la pincelada matérica el espíritu de los "pioneros" o sea de la primera generación de paisajistas y vedutistas flamencos llegados hasta Venecia, que habrían sentado las bases para conferir una nueva identidad a los "géneros forestales", inaugurando las "magníficas suertes" del siglo de oro.
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Dr. Riccardo Moneghini
Historiador del Arte
