: Dipinti antichi Antiquariato Antiques

RITRATTO

RITRATTO DI NOTABILE. OILO SU TELA.

DIPINTI

Coppia di dipinti tempera su tela. "Vincenzo Martinelli" Bologna 1737-1807. COLLEZIONE PRIVATA.

DIPINTO

Dipinto tempera su tela, "Vincenzo Martinelli" Bologna 1737-1807.

Dipinto " la samaritana al pozzo "

Olio su tela, opera certa di Ercole Graziani ,Bologna 1688 / 1765  ,ottimo  lo  stato di conservazione   misura cm. 112 x 148 .

Collezione privata

Antico dipinto secolo XVII° Madonna con Bambino art 1617 Antique oil on canvas painting representing Virgin with Child Late 17th century

Dipinto a olio su tela raffigurante Madonna con Bambino. Lombardia fine secolo XVII°,reintelata e restaurata. Antique oil on canvas painting representing Virgin with Child, restored, Late 17th century Dimensioni cm 170,5 x 122 h

"RIPOSO DURANTE LA CACCIA"

OLIO SU TELA. FRANCIA, META'DEL XVIII SECOLO. MISURE:126 X 196 CM.; 107 X 174 CM. SENZA CORNICE.

Dipinto ad olio su rame : S.Antonio

cm.25x31 cod.5775/05-1

Dipinto a olio su rame :S.Michele

cm.25x31.5 cod.01/08/09

Quadro raffigurante Scena Biblica cod.352

Quadro olio su tela raffigurante l'Arcangelo con S.Giuseppe.Italia fine del Settecento.

MISURE: 80 x 64

Natura morta

FRANCESCO DELLA QUESTA
(?, 1639 ca. - Napoli, 1723)

Natura morta

Olio su tela, cm 74x137

Nel ricchissimo panorama della natura morta napoletana seicentesca, la personalità artistica di Francesco Della Questa, maestro di possibile origine spagnola, attende ancora uno studio ragionato che porti ad una catalogazione pienamente convincente, forse anche per la difficoltà nel reperire notizie biografiche e appigli documentari certi; a ciò fa però da contraltare il numero relativamente alto di dipinti firmati, il che permette di creare sicuri collegamenti attributivi ed utili confronti.
I modelli di riferimento per il nostro sono indubbiamente costituiti da Luca Forte, Giovan Battista Ruoppolo e Giuseppe Recco, talora rielaborati dal pittore, come nel dipinto in esame, secondo una sensibilità suggestivamente arcaizzante: si pensi alle modalità ancora di gusto caravaggesco che connotano la resa cromatica e luministica delle foglie, la sintesi volumetrica nella rappresentazione delle mele, dell’uva e dei cedri, l’idea di creare lo sfondamento tridimensionale nel piano d’appoggio, sul margine destro, i tocchi di luce sull’ampolla vitrea e gli effetti di trasparenza della stessa.
Il bilanciamento e l’equilibrio compositivo tra le parti risultano particolarmente raffinati, come se ogni elemento, solo apparentemente distaccato, risultasse armoniosamente compenetrato, fuso nell’altro; nè sono da trascurare le acute accensioni tonali, particolarmente intense nei rossi fuoco delle mele.

Francesco Della Questa

Due scene giocose

ALESSANDRO GHERARDINI
(Firenze, 1655 - Livorno, 1726)

Due scene giocose

Olio su tela, cm 23x36

Il filone burlesco rappresenta un episodio interessante e ancor poco indagato della pittura fiorentina sei-settecentesca, che conosce esiti di un certo respiro nella celebre Beffa del Pievano Arlotto Mainardi,  opera del Volterrano, ora presso la Galleria Palatina di Firenze. Il genius loci tipicamente toscano, propenso allo scherzo e alla burla intelligente, gioca certamente un ruolo di spicco nella scelta di tali soggetti, ma non è da trascurare un significato anche più profondo, che, tra la fine del Seicento e l’inizio del Settecento, si trasfigura in una precisa reazione alle correnti auliche, forse eccessivamente altisonanti nel linguaggio e nei contenuti, veicolate a Firenze da un indubbio caposcuola della pittura barocca romana, Pietro da Cortona.
Allessandro Gherardini, che pur si distingue nella grande tradizione della pittura
d’istoria ad affresco, rivela, nelle due deliziose telette in esame, tutt’ora nel loro
supporto originario, un estro indubbio per il grottesco e per la “scena di genere”, dai putti birbanti che disturbano il sonno ebbro di un vecchio barbuto alla scenetta del fanciullo indecentemente rappresentato nell’atto della minzione.
I temi comico-caricaturali, indubbiamente “bassi” nella gerarchia dei generi pittorici, ancora molto viva e sentita sul finire del Seicento, sono vivacemente controbilanciati dallo stile squisito e raffinato della pennellata, densa e rapida,  poco attenta alla costruzione disegnativa ed indirizzata piuttosto alla freschezza bozzettistica, nella quale il Gherardini è assai sapiente; né mancano nobili riferimenti a grandi maestri del passato recente, quale il profilo della donna, sensibilissimo ai modi di Luca Giordano, oppure la figura maschile col cappello piumato, precisa citazione dai personaggi nelle incisioni di Jacques Callot.

Alessandro Gherardini

Coppia di vedute

ADAM FRANS VAN DER MUELEN, ambito di
(Bruxelles, 1632 - Parigi, 1690)

Veduta della città di Besançon assediata

Entrata del Re Sole a Dunquerque

Coppia di oli su tela, cm 108x164

Le due ampie tele, impostate secondo la prospettiva panoramica, derivano direttamente da due illustri prototipi, i cartoni, eseguiti per gli arazzi della celeberrima manifattura Gobelins dal pittore fiammingo Adam Frans van Der Meulen e databili tra il 1667 e il 1668; tali rappresentazioni, che annoveravano quattordici episodi delle gesta guerresche del Re Sole, erano specchio ineludibile dell’arte propagandistica fiorita nell’età di Luigi XIV, finalizzata ad una celebrazione, fastosa e altisonante quanto mai, delle gloriose imprese belliche promosse dal Re nel tentativo, non sempre giunto a buon fine, a onor del vero, di ampliare a dismisura i confini territoriali di Francia.   
L’impostazione dell’esercito schierato a “campo aperto”, di fronte alla visuale più
slontanata della città assediata, rimanda ad un illustre precedente nella battaglistica
seicentesca: la coppia di tele, eseguite da Jacques Courtois il Borgognone,
rappresentanti le Battaglie di Nördlingen e Lützen, conservate presso la Galleria Palatina di Firenze. E’ verosimilmente da rilevare, però, come il Meulen abbia
privilegiato qui un intento più precisamente topografico-didascalico, studiando “dal vero”, come anche è sottolineato dalle fonti scritte, gli accampamenti militari e riproducendo con attenzione lenticolare i riscontri veridici della situazione del luogo e della veduta urbica, secondo le più moderne sperimentazioni della cultura figurativa fiammingo-olandese (si pensi alla, pressochè coeva, Veduta di Delft del Vermeer).
La resa delle figure spicca talora per ornato ed eleganza, accentuati da variopinti risalti nella cromia, nonostante la concitata drammaticità dei temi trattati; è altresì nei motivi paesaggistici e di veduta che, forse, meglio si sviluppa lo stile del maestro, come è evidente nella superba definizione di tronchi e fronde o nella raffinata modulazione di toni freddi che ammanta gli sfondi.

ADAM FRANS VAN DER MUELEN, ambito di

Scena pastorale

PETER ROOS, ROSA DA TIVOLI
(Francoforte sul Meno, 1657 - Roma, 1706)

Scena pastorale

Olio su tela, cm 111x200
Nel corso della seconda metà del Seicento e della prima metà del Settecento la
specializzazione degli artisti nei singoli generi pittorici raggiunge la sua piena attuazione, massimamente nei paesi d’Oltralpe con esiti di strabiliante virtuosismo, tanto che una messe di maestri stranieri giunge nella Penisola, importando, per così dire, tali assolute novità, come nel caso del celebre Rosa da Tivoli (secondo l’italianizzazione del cognome del pittore, frequente in tutti i centri artistici del nostro paese, in epoca storica).
Il dipinto è infatti tipicissimo ed inconfondibilmente autografo del Roos, con un rilievo assolutamente particolare, però, nel formato molto allargato in orizzontale e nell’assoluta armonia compositiva, così attenta anche a cogliere, come in una istantanea, l’espressività intensa delle raffigurazioni zoomorfe accanto alla dilatazione paesaggistica, nella quale l’artista definisce maestose e minacciose nubi nel cielo che influenzano con la cromia scura il borgo ed il paesaggio collinare.   
E’ però agli animali che il Roos riserva un’attenzione peculiare, negli atteggiamenti che appaiono quasi “di posa”, ma che sono, in realtà, così veri, vivi e naturali, accanto alla sapiente definizione cromatica, ricca e corposa nei tocchi filamentosi, che trova pieno riscontro nell’improvvisa accensione luministica, a contrasto con i toni quasi cupi della parte preponderante della raffigurazione, come è evidente, ad esempio, nella descrizione del viso della pastorella posto di profilo.

Peter Roos, Rosa da Tivoli

Allegoria della Fama

GIOVAN FRANCESCO ROMANELLI
(Viterbo, 1610 - 1662)

Allegoria della Fama

Olio su tela, cm 191x137,5

Il dipinto fu eseguito in occasione del primo soggiorno parigino del pittore viterbese, tra il 1646 e il 1648, per una committenza sicuramente molto illustre, il Cardinale Giulio Mazzarino, personalità di assoluto rilievo per la storia non solo di Francia, negli utlimi tempi del regno di Luigi XIII e soprattutto del successore, il Re Sole, ma dell’intera Europa.
Il significato dell’opera è chiaramente allegorico-moraleggiante: la personificazione della Fama, deificata e letteralmente sospesa da terra, accompagna gli attributi del potere temporale, definiti sul margine destro, e leggermente più adombrati rispetto alla luminosità che ammanta la figura femminile in volo. E’ infatti rilevante l’aulico basamento marmoreo, istoriato da bassorilievi ornamentali di ascendenza classica, tra i quali spicca lo stemma gentilizio, e sul quale si appoggia lo scettro del potere, accompagnato, sulla sommità del piano, dal copricapo purpureo cardinalizio e da due corone regie, forse allusive al passaggio tra la monarchia di Luigi XIII e quella di Luigi XIV.
La preziosità cromatica della tela è brillante di primo acchito, massimamente nell’accensione del drappo rosso svolazzante e nel panneggio ocra, come nel cielo profondo di lapislazzuli; il linguaggio del maestro viterbese denota un’intelligente rielaborazione di suggestioni classiciste e barocche, dallo stesso attentamente meditate in ambito romano e che rappresentano elementi di indubbia modernità negli anni Quaranta del Seicento: se la postura della figura, la sua straordinaria leggiadria rimandano a prototipi berniniani, evidenti se si considera il celeberrimo gruppo di Apollo e Dafne, la misurata pacatezza dell’impostazione della stessa, i tratti del viso, la delicatezza degli sfumati richiamano direttamente i modi di Guido Reni, “novello Raffaello” secondo la critica classicista seicentesca.

Giovan Francesco Romanelli

Coppia di paesaggi

WILLEM DE HEUSCH
(Utrecht, 1625 - 1692)

Paesaggio con cacciatori

Paesaggio con briganti

Olio su tela, cm 151x189

Le due maestose tele mostrano la mirabile fusione della tradizione paesaggistica nordica con quella italiana; Willem De Heusch, originario dell’olandese Utrecht, vive a Roma negli anni quaranta del Seicento, importando nell’Urbe una particolare visione, vitalistica, intensa, quasi romantica dell’osservazione della natura, come un universo di forze oscure e primordiali, di un fascino arcano, accanto, però, all’attenzione per gli elementi di “classica misura” evidenti nel pendant in esame.
Nella scena dei cacciatori di anatre si impone come protagonista il tronco nodoso dell’albero al centro, cui fa da sfondo una sorta di “selva oscura” definita da tonalità alquanto cupe di verdi; suggestivo appare lo scorcio a destra, dalle forme abbozzate, quasi evanescenti, sulle quali si impone il grandioso cielo solcato da nubi, nonché la resa delle figure, essenziali nelle rapide pennellate ma anche vibranti e quasi allampanate.
Nella rappresentazione caratterizzata dall’assalto dei briganti il paesaggio è invece dilatato proprio nel mezzo, che si apre verso il tipico borghetto della campagna laziale con ruderi e vestigia dell’Antichità, lasciando però, anche qui, ampio spazio ed elementi appena abbozzati, come risulta evidente nel margine destro sullo sfondo; l’impronta criptoromantica, paragonabile agli esiti coevi di un Salvator Rosa,  è presente anche in tale frangente nel tronco monumentale, spezzato e contorto, come pure nel drammatico ed espressivo dinamismo che caratterizza tutti i personaggi, perfettamente inseriti in tale misterioso scenario che parrebbe potersi animare da un momento all’altro.

Willem De Heusch

Scena biblica

HERMAN SWANEVELT
(Woerden presso Utrecht, 1605 - Parigi, 1655)

Scena biblica

Olio su tela, cm 110x133

Nella tradizione figurativa fiamminga, ed il discorso risulta naturalmente valido anche per i maestri nordici in Italia, è precocemente applicata l’idea, affatto moderna, che sia possibile, pur nella trattazione di soggetti di storia, di mitologie, o di temi sacri, ampliare la visione ambientale in scenari che, talora, appaiono addirittura preponderanti rispetto alle figure; nel fertile solco tracciato dai Fiamminghi si colloca  ad esempio, all’inizio del Seicento, la straordinaria Lunetta Aldobrandini di Annibale Carracci, rappresentante il Paesaggio con la fuga in Egitto.
Lo scenario naturale appare, anche nella tela in esame, l’elemento portante, accanto alle rappresentazioni zoomorfe, al quale le figure risultano,  per così dire, subordinate, con la sola accentuazione del pastore sdraiato sul margine destro e della giovane donna, forse identificabile con Rebecca, nella quale la particolare definizione del volto è indubbio tratto stilistico dello Swanevelt.
Le maestose chiome arboree delimitano l’intera superficie della tela, minuziosamente descritte nei singoli elementi di fogliame ma anche accentuate in una spumeggiante, corposa volumetria; l’effetto di trapasso tonale crea una suggestiva visione, modulata dai toni verdastri-azzurrognoli sulla sinistra, ancora memori degli esempi del Brueghel e di Paul Brill, sino ai bruni-rossastri del settore centrale e di destra, nei quali il timbro è vagamente autunnale.

Herman Van Swanevelt

Scena di assedio

JOHANNES CORT, detto JUAN DE LA CORTE
(Attivo a Madrid dal 1597 - notizie fino al 1660)

Scena d’assedio
Olio su tela, cm 102x162

Il dipinto risulta firmato per esteso, ai piedi del soldato armato di scudo,  posto di spalle al centro dell’opera.   
Juan de la Corte è un pittore di origine fiamminga, documentato al servizio della monarchia spagnola nel corso dei primi sessant’anni del Seicento e verosimilmente formatosi in ambito anversese; a Madrid ebbe notevole successo soprattutto come paesaggista, battaglista e maestro di prospettive architettoniche, generi pittorici che, nel caso della tela in esame, sembrano combaciare e fondersi perfettamente. Sullo sfondo di una ampia collina, sottesa all’incombente cielo dai toni quasi plumbei, Juan de la Corte realizza una magnifica veduta ideata di una città assediata, rielaborando suggestioni e scorci forse realistici (si pensi alle case d’abitazione, alcune delle quali già date alle fiamme, ed alla porta urbica) accanto a capricciose invenzioni architettoniche, tra le quali spicca il superbo Palazzo che domina la composizione sul margine sinistro: mediante nobili variazioni di tonalità grigio verdi, il maestro definisce una sontuosa struttura, sostanzialmente a pianta centrale, nella quale è evidente il richiamo agli studi architettonici del Cinquecento italiano, da Bramante e Michelangelo a Palladio.
L’attenzione del pittore è però parimenti rivolta alla composizione battaglistica, descritta dal contrasto tra la sezione di sinistra, quasi indefinita nel dinamismo vorticoso di un incalcolabile numero di “figurine” di assedianti, e la salda, plastica monumentalità del settore destro, nel quale spiccano soldati e cavalieri vestiti alla maniera antica; i toni di colore sono qui vivaci ed accesi, e accompagnano una resa estremamente elegante delle figure, dalle forme stesse alle posture, che riprende moduli stilistici tipici del tardo Manierismo centro italiano, segnatamente riferibili al primo interprete della battaglistica “pura”, Antonio Tempesti.

Juan de la Corte

Studio di pere

SINIBALDO SCORZA
(Voltaggio, 1589 – Genova, 1631)

Studio di pere 

Olio su carta applicata su tavola, cm 24x41

Il dipinto raffigura due mucchietti di pere variamente disposte su un fondo neutro; tale rappresentazione ci riporta ai primordi della natura morta in area settentrionale, da Ambrogio Figino al Caravaggio, caratteristica soprattutto per l’accentuato realismo e per l’attenzione ai valori di luce e di colore.     
La tecnica su carta, che pone la composizione come studio/modello per più elaborate e calcolate realizzazioni successive, permette all’artista una libertà espressiva che offre un carattere di spiccata immediatezza alla rappresentazione.   
L’opera, già pubblicata come autografa di Fede Galizia dallo scrivente ¹ e da Franco Paliaga ², è stata successivamente riferita al genovese Sinibaldo Scorza dallo stesso Paliaga ³ e da Anna Orlando ⁴, le cui puntuali analisi devono essere sottoscritte; è di particolare rilievo sottolineare, come sostenuto da A.Orlando, che lo Scorza ebbe modo di confrontarsi direttamente con quadretti di frutti “fatti a Milano” proprio frequentando la casa di Gio. Carlo Doria, suo mecenate, e riferendosi dunque ai modi della nascente tradizione lombarda, da Fede Galizia a Panfilo Nuvolone.   

1 N.Merlat, Itinerario nella pittura italiana, Milano 1999, scheda n.7   
2  in Natura morta italiana, cat. della mostra a cura di M.Gregori e J.G. Von Hohenzollern (Munchen 2002-2003), Milano 2002, p.94
3  in La natura morta italiana da Caravaggio al Settecento, cat. della mostra a cura di M.Gregori (Firenze, 2003), Milano, 2003, p.96   
4  ne I fiori del barocco, cat. della mostra a cura di A.Orlando (Genova 2006), Milano 2006, p.104

Sinibaldo Scorza

Serie di sei paesaggi

PIETER VAN der HULST
(Anversa, 1600 ca. - dopo il 1637)

Serie di sei paesaggi

Olio su tela, cm 82x116

E’ di estremo interesse indagare la sequenza di questi sei paesaggi, databili tra il 1620 e il 1625, periodo tra i più fecondi per lo sviluppo del genere pittorico nelle Fiandre; ne è autore Pieter Van der Hulst II, spesso confuso, per le indubbie analogie stilistiche, con il padre Pieter Van der Hulst, con il quale condivise un’intensa collaborazione sulla scena anversese.
Secondo modalità variegate e unitarie allo stesso tempo, il maestro realizza ampi scenari ambientali aperti, con variazioni di “figurine” dalle tematiche venatorie alle scene galanti sino alla sosta di soldati, assecondando tipologie assai ricorrenti nel paesaggismo nordico e un repertorio molto apprezzato dalla colta e ricca committenza anversese; nella sequenza l’immagine naturale appare restituita in tutta la sua immediatezza, con un’attenzione squisita per alcuni dettagli nei quali l’occhio dello spettatore sembra immergersi, focalizzando altresì l’effetto di sontuosità tonale e luministica nella scioltezza del tocco pittorico, senza trascurare la resa delle singole figure, modellate a rapidi tocchi di colore puro, fresche, dinamiche ed eleganti.

Pieter Van der Hulst

Crocifissione

JACOPO ROBUSTI, il TINTORETTO
(Venezia, 1519 - 1594)

La composizione, intensamente drammatica, ruota attorno al fulcro centrale, rappresentato dalla croce, disposta contro il fondale paesaggistico e l’ampio cielo; in secondo piano é definito il gruppo dei soldati, fortemente dinamico. A dominare la scena sono però i personaggi del primo piano, in cui spicca il drammatico gruppo delle pie donne; come quinte due figure agghindate all’orientale e la slanciata figura di San Giovanni. L’enfasi tragica che connota la rappresentazione, il vigore espressivo, le audaci positure dei personaggi e la straordinaria cromia dei panneggi, con i rossi laccati e i rialzi dorati, permettono di collocare il dipinto nella fase giovanile del Tintoretto, ancora sensibile ai moduli dello Schiavone e del Bonifacio de’Pitati tardo. Precisi riscontri si possono rilevare osservando la Conversione di San Paolo della National Gallery di Washington: si osservi la definizione paesaggistica , la cromia del cielo, la modulazione dei vessilli e la resa della gestualità; riferimenti indubbi per quanto concerne i panneggi e la raffigurazione degli abiti all’orientale sono pure evidenti nel Miracolo di San Marco dell’Accademia a Venezia, del 1548, senz’altro più avanzato cronologicamente. Il nostro dipinto può essere verosimilmente collocato alla metà degli anni quaranta, a ridosso della Conversione ora a Washington.

Tintoretto

Natura morta con pesci, frutta e pane

GIOVAN BATTISTA RECCO
(Napoli, attivo intorno alla metà del XVII secolo)

Natura morta con pesci, frutta e pane

Olio su tela, cm.74x100
 
 
Il dipinto, connotato dall’ampio respiro spaziale, che prevede l’armoniosa disposizione su due piani di profondità di un numero relativamente ridotto di variegati elementi “in posa”, è collocabile nell’ambito dell’attività giovanile del maestro napoletano Giovan Battista Recco; risulta infatti ancora piuttosto marcata l’influenza ispanica e caravaggesca, evidente soprattutto nella composizione sottilmente arcaizzante, nei valori luministici, nel timbro cromatico. La fonte di luce primaria è frontale e sottolinea, innanzitutto, il piatto sulla destra, caratterizzato dai limpidi volumi, di schietta matrice caravaggesca, delle pagnotte e delle pesche, virtuosisticamente modellate anche nei valori tattili di superficie; la curata ricerca della minuzia nel dettaglio è invece riscontrabile soprattutto nella definizione dei pesci sulla sinistra.
Un riferimento chiaro al Merisi è rappresentato dallo sfondato spaziale del manico del coltello posto sulla sinistra, che, emergendo dal piano d’appoggio, sembra addirittura fuoriuscire dalla superficie dipinta, nonchè dal ramoscello di finocchio selvatico definito in primo piano sulla destra, che proietta l’occhio dello spettatore sul piatto; nel secondo piano si rileva invece, nella modulazione più adombrata delle superfici dei meloni, il curioso divertissement realistico rappresentato dal tassello “d’assaggio”, già tagliato e appoggiato sul tavolo.

Giovan Battista Recco

Maestro bolognese della cerchia del Gandolfi

Bel dipinto ad olio su tela raffigurante "Scena di martirio" cm 115x160 entro cornice coeva detta " a labretto"

Paesaggio con personaggi

Olio su tela raff. paesaggio con costello e personaggi. Misure: 68 x 48H

Paesaggio

Olio su tela raff. paesaggio. Firmato: Grimaldi. Misure: 110 x 81H

Coppia di papiers peints

Coppia di papiers peints con motivi floreali su fondo verde '700

Misure: 200 x 73 cm

Scuola fiamminga

Dipinto scuola fiamminga - XVII sec.

'Animali con natura morta',  48 x 52 cm

Scuola fiamminga, secolo XVIII

Dipinto 'Galline con criceti in un paesaggio'

Olio su tela - 87 x 72, 5 cm

Dipinto di Stefano Robatto

Dipinto 'Riposo durante la fuga in Egitto'

Olio su tela, 99 x 122 cm